Looking at examples of presenting practices in Berlin and Toronto, this essay sketches the difficulties that arise when embarking on a curatorial practice with a decolonial impulse. This text is a partner to “On Smuggling and Drawing. A Conversation in Blocks”, a dialogue between curator Juana Awad and artist Luisa Ungar, written in 2020 and appearing in the publication Künste dekolonisieren. Ästhetische Praktiken des Lernens und Verlernens (edited by Julian Bauer, Maja Figge, Lisa Grossmann, Wilma Lukatsch; Berlin, Transcript Verlag, forthcoming.) But while the dialogue focuses on Ungar’s creation process of the over one hundred original drawings intervening throughout the publication, this essay brings to the forefront Awad’s questions about, and experiences and observations with the mingling of the curatorial and the decolonial, from her perspective as a curator and cultural worker.
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Transcription of the Round Table assembling/disseminating
What are recent examples of practices in which ‘assembling’ and ‘disseminating’ reconfigure agencies, resources, affects and information to give rise to new forms of collectivities? This round table brings together Björn Heerssen and Noel David Nicolaus from the interdisciplinary collective Clusterduck, and sociologist Serhat Karakayali to ask about the relationships and interdependencies between ‘assembling’ and ‘disseminating’ as constitutive mechanisms in processes of collectivization. How do agencies, resources, affects and information elevate processes of creating collective feelings? Together we discuss how ‘assembling’ and ‘disseminating’ take shape in each example, leading to different forms of collectivities; what practicable mechanisms, interfaces and infrastructures come into play; and how do these two instances approach possibilities of collective interaction in terms of ‘sharing’ and ‘learning’.
Transcription of the Round Table instituting/fleeing
The round table instituting/fleeing addresses collective practices as forms of resistance against power asymmetries – as activist strategies. It focuses on the entangled dynamics between fleeing and occupying the institution and the role institutional critique plays in these dynamics. We will map out our different collective practices by posing questions, such as: How can we understand the different ways the institution and the collectives are linked? How to create collectives within the institution? How can collectives flee or occupy the institution? Who can flee and where to? How do institutions appropriate and destroy collective structures?
Why the Pictures Had to Come from Black. Looking with Myra Greene at Character Recognition
With her photographic series Character Recognition (2006–2007) U.S. artist Myra Greene examines historical constructions of race and racist ways of looking from a perspective that undermines the assumed neutrality of photography. She transforms the old ambrotype technique and encourages to reflect on the power that visual technologies hold over the representation of race and identity. Greene recalls yet disobeys nineteenth-century ethnographic visual practices and looking instructions, creating a technical and metaphorical deferral of the past into the present and of the present into the past. Her photographic practice unveils the ongoing violent effects of nineteenth-century scientific racism on present-day bodies and embodied ways of looking. At the same time, Character Recognition gives new life to the archives of visual colonialism and experiments with photographic representation and body memory as tools for decolonial options of non-normative (visual) spaces.
Transcription of the Round Table commoning/communing
What practices constitute the commons? What are the conditions of the situated processes of commoning? What and how do we thereby learn? What would constitute a new sense of sharing, distributing, partaking? And, how can we take the idea of relationality seriously and institute structures of reciprocity between art, academia, and activism? To address these questions the round table commoning/communing brings together three projects focusing on urban practices of commoning.
13.02.2017 Poetics and Politics of Scientific Sound Archives [Poetiken und Politiken wissenschaftlicher Sound-Archive]
Scientific experiments with documenting and archiving sound resulted in the creation of diverse techniques which were eventually used beyond the sciences, too. By addressing the poetics and politics of scientific sound archives an institution comes into focus which is at the intersection of art and science. While Viktoria Tkaczyk analyzed sound recordings from the perspective of cultural studies, Gill Aubry presented his artistic work with sound archives. Here, the evening is documented by photographs, documentation of Gilles Aubry’s works and the transcription of Aubry’s lecture.
Memoirs of Saturn
In a set of para-fictional texts which interweaves the life of cultural historian Dr. Shahidul Zaman with key moments in the ruptured history of Bangladesh, the artist Omar A. Chowdhury, builds a reflexive mirror to examine the nature of memory, of historiography, and the processes of the art system. Recounting the history of an exhibition that was censored and closed down in Dhaka in 2016, Chowdhury constructs a narrative that doubles back on itself along multiple axes of the personal and public as he and Dr. Zaman delve into the uncertainties in the presentation of identity, the recollection of history, and the compromises of political commitment.
Collective Practices in Arts and Activism: An Auto-biographical Approach
What are the reasons behind a newfound popularity of collectives within art economies? Could it be that collective practices are a necessary answer to the challenges faced by (creative) workers in late capitalist society? To reflect these questions, we take this text as a starting point to try to critically assess our own personal history as an internet-based research collective.
07.11.2016 Reconsidering the Shape of Evidence: Visual Documents in and Beyond Contemporary Art.
Sophie Berrebi discusses in her lecture the use of documents in the visual arts in the first decade of the 21rst century. She focusses on artists, who shed light on the potentials, mechanisms and traditions of analogue forms of documentary practices in contrast to the contemporary emphasis on the usage of digital media. In doing so they question the status of art works as well as of documents and the relationship of museums and archives. We present here the presentation manuscript of the lecture and add the notes taken by two members of the research training group. This most common kind of documentation of lectures in most scientific disciplines points out the processes of selection und accentuation in listening and recording.
FEEL FREE TO ASK ME ABOUT MY WORKING CONDITIONS. Eine kleine Stilkritik der documenta 14
Wie verhält sich der politische Anspruch der Documenta-Macher_innen zur Realität, die sie mit der Schau generieren? Der Artikel geht dieser Frage mit Blick auf die Arbeitsbedingungen der Kunstvermittler bei der d14 nach und vollzieht einen Abgleich zwischen Anspruch und Wirklichkeit.
Wie (nicht) lecker mein Deutsch war
In June 2019, I held the workshop cooking, playing and sharing at the symposium sharing/learning: methods of the collective in art, research and activism by the DFG-Graduiertenkolleg “Das Wissen der Künste”, Berlin University of the Arts (UdK), at/in cooperation with District * School without Center.
I invited guests to explore how to come together spontaneously, creatively and intuitively for preparing a feast without previously knowing the recipe and without a recipe. The main idea was how to make a meal with the ingredients, we would have available, and share it between the participants of the event. Noncooking Knowledge was required. As it usually happens in my proposals, the practice has taken other directions.
Introducing sharing/learning. The Opening Speech
This text was part of the opening to the symposium sharing/learning: methods of the collective in art, research and activism and was read on 28th June 2019, in English, by two members of the organizing team, as introductory words. The text deliniates the central questions from which the two-day gathering arises, as well as its methodologies and actors. Many formulations originate from previously written concept papers, which were used to present the project for various purposes. These in turn are informed by the many conversations that took place within the organizational team – a group of people whose constellation was shifting along the way – orally as well as in writing.
„It’s a sculpture, is a picture, makes a picture“ – Die bildkonstituierenden Elemente von Jean Tinguelys „Homage to New York“ (1960) und deren Modifikation durch fotografische Bildgebungsverfahren
Mittels fotografischer Aufnahmen wurde Jean Tinguelys 1960 im Skulpturengarten des Museum of Modern Art, New York einmalig vollzogene Zerstörungsaktion Homage to New York dokumentiert, so dass sich das ephemere Ereignis der Vergänglichkeit entzog. Die Bilder von Tinguelys Homage to New York halten jedoch nicht allein die Zerstörungsaktion für die Nachwelt fest, sondern das fotografische Bildgebungsverfahren kehrt überdies die Bildhaftigkeit der Installation hervor. Bereits in der Skulptur sind bildkonstituierende Elemente angelegt, die in den Schwarz-Weiß-Fotografien der Aktion verstärkt hervortreten. Die mit der Überführung vom Dreidimensionalen ins Zweidimensionale einhergehenden Modifikationen werden anhand eines der ersten fotografisch dokumentierten Kunst-Ereignisse untersucht.
bezeugen
Die Gefangenen und Entlassenen des Gefangenenlagers Guantánamo haben in unterschiedlichen Formen von der Folter, ihrem Widerstand und Überleben Zeugnis abgelegt. Die jüngsten Ausstellungen Ode to the Sea und Guantánamo [Un]Censored haben die Frage dringlich gemacht, wie auch die Kunstwerke der Gefangenen als Zeugnisse zu verstehen sind. Der Beitrag diskutiert diese Frage am Beispiel einer unbetitelten Arbeit des bis heute festgehaltenen Khalid Qasim. An ihr lassen sich die Mobilität von Kunstwerken, ihre Autonomie vom bezeugenden Körper sowie ihre materielle Intensität als Verfahren künstlerischer Zeugenschaft ausmachen.
The Work of Contemporary Art and Commemoration: Reading Ali Kazimi’s Fair Play (2014)
In response to this issue’s call to “engage aesthetic processes of remembering,” this paper analyses Fair Play (2014), a stereoscopic 3-D cinema installation by Toronto-based filmmaker Ali Kazimi. Produced in conjunction with the centennial anniversary of the arrival and detainment of the Komagata Maru steamship in Vancouver, British Columbia, Canada, the installation engages in an act of critical commemoration by imagining the lives of members of the South Asian diaspora affected by this incident. I argue that by centering affect within the formal and conceptual framework of the installation, Kazimi produces a decolonial aesthetic that restructures our relationship to this past, bringing to the fore ways of living and knowing that had previously been devalued and violently erased by colonial agendas and neoliberal art historical critiques.
listening / zuhören
Listening appears as a research strategy: listening to remember, to resonate, to fill the gap, to unpack, to participate, to endeavour, to write, to read, to represent, to witness, to change, to resist, to learn, to un-learn, to dream, to imagine, to meditate, to fall, to question, to reveal, to travel, to envision, to feel, to wonder, to ask, to think, to navigate, to dig, to bind, to murmur, to say loud, to share, to commit, to repair, to speak out, to meet, to hear, to dwell … in becoming.
Femke Snelting
The Practice of Resistance
WIR – was bedeutet das eigentlich? Wann ist der Moment gekommen, dass wir uns die Hände reichen, uns in die Augen sehen und sagen können: WIR! WE – what does that mean? When does the moment arise that we hold hands, look at each other in the eyes, and say: WE!
abduzieren
Das Verb „abduzieren“ bezeichnet die geistige Aktivität der Produktion einer neuen Synthese. Abduzieren heißt hier, unterschiedliche Elemente in der Wahrnehmung und in verschiedenen kognitiven Bereichen zu kombinieren und zu neuen Entdeckungs- und Erfindungsverfahren zu befördern.
Ästhetik des Aufruhrs: Dekoloniale Verschiebungen im zeitgenössischen Theater
Zeitgenössische Theaterstücke von etlichen afrikanischen und afro-diasporischen Künstler_innen weisen im Theater eine Vielzahl ästhetischer Verfahren innerhalb eines breiten Spektrums dekolonialer Ästhetiken auf.
Kunstschaffende bringen – so die zentrale These – eine Ästhetik des Aufruhrs hervor, die nicht allein mit dem Prinzip des delinking zu fassen ist, sondern Prinzipien der Erhebung, des Aufschreis und des Verlachens umfassen. Künstler_innen kritisieren und dekonstruieren mittels satirischer, absurder und grotesker Elemente koloniale und postkoloniale Herrschaftsverhältnisse und nutzen das Verlachen von Gewaltverhältnissen als eine wichtige subversive Strategie. Diese These exploriere ich anhand des Stücks Im Namen des Vaters, des Sohnes und des J.M. Weston des kongolesischen Dramatikers Julien Mabiala Bissila.
Possible Bodies
Spaces of Collectivity
How is it to act collectively when each one of us brings our own perspective, values, assumptions, and also our own language? How does from the many become ‘one’? What compromises does one need to make on the way? These were the questions we explored during the workshop Spaces of Collectivity. The aim was to collectively experience and enjoy space, while noticing how different our perspectives on it are, and how being able to talk about them, is key to any collective act of visioning, making or caring for space. Maps, as final products, and map-making, as the process of making these, became the tools to visualise and thus be able to better discuss these challenges.
Call to Listen – ein post_kolonialer Resonanzraum. Notizen und Materialien zu einer künstlerischen Forschung zu Sound und Zuhören im post_kolonialen Hamburg
Call to Listen ist eine mehrteilige Aufforderung zur Auseinandersetzung mit Politiken des Erklingens, Zuhörens und Gehört-Werdens im post_kolonialen Hamburg. Im öffentlichen Raum und in einem installativen Set‐Up wurde untersucht, wie Akte des Zuhörens zum Ausgangspunkt für performative Formen des Erinnerns und der Geschichtsschreibung in der städtischen Gegenwart werden können. Das Projekt beschäftigt sich mit dem Zusammenhang von Orten, ihrer Geschichte und ihrem Klang – fragt wie Orte klingen, wie und ob ihre Geschichte erklingt und ob sich durch Klang die Wahrnehmung von Orten und ihrer historischen Bedeutung verändern kann. Das Hörstück fordert auf die Stadt als post_kolonialen Raum, in dem Klänge und Stimmen resonieren, zu erkunden und diese durch individuelles und kollektives Zuhören zu interpretieren und zu übersetzen. Die künstlerische Forschung versucht einen differenzierten Zugang zur post_kolonialen Gegenwart Hamburgs zu schaffen und damit einen Beitrag zur Debatte um eine entsprechende Erinnerungskultur zu formulieren: durch das Resonieren von Klängen und Stimmen werden temporäre Erinnerungsräume initiiert.
Call to Listen lädt ein zum Response, zum experimentieren mit dem politischen Potential von Klang und Formen des Zuhörens und sucht dabei nach Möglichkeiten eine kollektive Praxis des Erinnerns sowie eine neue Imagination von Stadt zu entwickeln.
Sonic Imagination
Brandon LaBelles performative Installation The Ungovernable war eine dreistündige Auseinandersetzung mit den verschiedenen räumlichen Gegebenheiten des Athener Kulturzentrums Romantso und dessen Erkundung mittels Bewegung, Akustik, Videoprojektionen und der Platzierung von Stoffen, Zeichnungen und Geschriebenem. Besondere Aufmerksamkeit wurde darauf gelenkt, dass ‚Gemeinschaft‘ auch ein akustisches Phänomen ist.
Das Gaffa-Tape als Material des Provisorischen
Gaffa-Tape: Ein Material, das wie kaum ein anderes derzeit eine eigene Fankultur um sich schürt. So heißt es in dem Song Schwarze Wolke des deutschen Rappers Prince Pi von 2013: „ … jedes Problem lösbar mit Gaffa und Schweizer, der gute alte MacGyver …“. (Prince Pi: Schwarze Wolke, Album: Kompass ohne Norden) Der Verweis auf die TV-Figur Angus MacGyver, bekannt für die Fähigkeit, die unmöglichsten Probleme mit simplen Materialien lösen zu können, weist nicht nur auf die Beliebtheit des Klebebandes, sondern auch auf dessen Potenziale bezüglich eines intelligenten, provisorischen Problemlösens hin.